Qué divertido y a la vez un tanto paranoico y excéntrico este proyecto del suizo Ursus Wehrli. Lo presenta en un libro llamado «The Art Of Clean Up» en el que muestra como él es capaz de organizar y ordenar absolutamente todo lo que nos rodea, siguiendo un criterio de tamaño, colores, formas, etc.
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Textile field o campo de tela es el nombre de esta instalación diseñada por los
hermanos Ronan and Erwan Bouroullec, en colaboración con Kvadrat, con el motivo del London Design Festival de este año, realizada en el museo Victoria & Albert.
Con Textile Field los diseñadores nos invitan a sentarse y descansar en el «lounge» lleno de color y contemplar las obras desde una nueva perspectiva y posición de relajación.
La instalación textil de 30 metros de largo y 8 metros de ancho, ocupa más de 240m² de la galería.
“Hemos decidido crear una especie de mobiliario que ayuda a las personas a relajar sus cuerpos y por lo tanto a relajar sus mentes”, dice Erwan Bouroullec.
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El pintor Andy Alcala tuvo la curiosa idea de reproducir obras de grandes artistas en su rostro, para luego crear una serie de fotografías.
Desde Banksy hasta Munch pasando por Van Gogh o Andy Warhol, entre otros. El proyecto se llama Face Artists. ¿Qué os parece?
Me gusta el trabajo de Jenny Holzer. Ella es una artista conceptual estadounidense cuya obra suele centrarse en plasmar ideas y conceptos, a traves de enormes tipografías retroiluminadas, en espacios públicos.
La obra de Jenny Holzer no nos da respuestas, plantea inquietantes interrogantes que tienen múltiples respuestas posibles, tantas como espectadores-lectores, en función de las opiniones y vivencias de cada uno de nosotros.
Se habla mucho del término street art o arte urbano. Un concepto que suele estar no exento de polémica. ¿Dónde está la frontera entre arte y apropiación indebida?, ¿Entre arte y vandalismo?, ¿Entre arte y protesta? Según una definición que he podido leer, se define al street art como arte expresado en la calle, normalmente de manera ilegal. Entonces…. ¿Esto es arte?
También he podido leer esto: «El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión.» Entonces…. ¿Esto es arte?
Os explico. En la madrugada del martes al miércoles, un grupo nada desdeñable de personas, dirigidas por Jordan Seiler, eliminaron de forma clandestina más de cien carteles publicitarios, de esos que colocan en las marquesinas. En su lugar, colocaron mensajes que previamente habían recopilado vía e-mail de diferentes seguidores del movimiento (reconocidos artistas internacionales, abogados, amas de casa o profesores) . Cuando terminaron, se dispersaron y se dirigieron a continuar con su vida, a fichar en las oficinas, a preparar los desayunos a la familia, etc.
Uno abría los soportes mientras otro retiraba los anuncios y un tercero colocaba los mensajes de texto, todo sin romper cristales ni forzar cerraduras ya que habían hecho copias de la llave original fundiendo metal sobre moldes de silicona. Todo muy limpio. No del todo legal, pero limpio.
Ellos pretendieron “cambiar las expectativas de comportamiento público en espacios compartidos”. Lo cierto es que en pocas horas, alguien ya se había encargado de volver a sustituir estos geniales carteles por los anuncios de siempre: Mahou con sus cinco estrellas y Coca-Cola repartiendo supuesta felicidad. Y ahora… juzgad vosotros qué os parece. ¿Esto es arte?
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Todos sabemos ya lo devastador que ha sido el terremoto de Japón, con su posterior tsunami y problemas nucleares. Todo el mundo estamos conmocionados y son muchos los que tratan de aportar su granito de arena para ayudar a esta población. Entre ellos la comunidad de diseñadores y artistas.
Uno de los primeros en ponerse en marcha fue James White de Signalnoise. Realizó este cartel que puso a la venta para donar lo recaudado a las víctimas de Japón. El cartel se agotó rapidísimo. Desde entonces estamos viendo circular muchos prints de otros artistas y diseñadores.
Vía: abduzeedo
Hoy os traigo a quien es, sin duda alguna, mi ilustrador favorito de todos los tiempos: Norman Rockwell.
Nació en Nueva York en 1894 y es recordado como un magnífico ilustrador, además de fotógrafo y pintor, célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor. En la imagen superior le veis en un autorretrato, siempre con sus características gafas y el puro (perdón quise decir) pipa.
Desde pequeño dio muestras de un gran talento para el dibujo. Alrededor de 1908 comenzó sus clases de arte de la Chase School en Manhattan. A los quince años, abandonó definitivamente los estudios para ir a la National Academy School.
En 1910, Rockwell se trasladó a la Art Students League, donde aprendió anatomía e ilustración, perfeccionando sus conocimientos previos, con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty.
Sin embargo su carrera se vio para siempre inmortalizada por su empleo como ilustrador oficial del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad. Su primera portada data de 1916. Norman Rockwell trabajó para esta revista hasta 1963.
Sus portadas, anuncios, ilustraciones y demás publicidad han sido repetidas e imitadas hasta la saciedad. Además trabajó haciendo publicidad para McDonald’s, Coca-Cola, cereales, chicles, neumáticos, etc.
Por su calidad dibujando, por los temas tan entrañables y amables, porque son el reflejo de una época histórica, por su humor, ironía y crítica y porque viene bien echar la vista atrás, no podía dejar de traer a Norman Rockwell a este blog. Espero que os guste. ¡Saludos!
A petición del fiel lector Arandela, añadiré dos clásicos más (el de la pareja de enamorados y el del doctor auscultando la muñeca de una niña) y un descubrimiento nuevo (otra versión del doctor, esta vez tomando la tensión a la muñeca).
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Esta semana me han dado el soplo de un trabajo genial. Se trata del artista Brian Lane Winfield Moore que ha recreado los típicos carteles de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, adaptándolos a una supuesta Tercera Guerra Mundial en la era de Internet. Como él dice: «is a modern “war of interwebs” style«. Ahí queda eso.
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Vía: Me lo ha contado Jorge ManDarCaRo, que a su vez lo ha visto en inspirefirst. Copyright all images Brian Lane Winfield Moore. More Posters.
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Como ya estaréis cansados de oír, hoy es San Valentín, el día de los enamorados, según predican los centros comerciales. Y a pesar de que todo el mundo lo critica con las dos típicas frases de «es un invento para crear consumo» y «lo importante es demostrarse el amor durante todo el año» yo lo defiendo (un poquito nada más) ya que, generalmente, todos aquellos que lo dicen, tampoco se esfuerzan demasiado en hacer cosas bonitas y románticas por el otro «todos los días del año«. Al final, viene bien que, de vez en cuando, nos obliguen a mirar un poco por los demás y no tanto a nuestro ombligo.
Así que en honor a este día, y sin caer en el consumo estúpido que yo tampoco comparto, aquí va mi publicación, inspirada en el todopoderoso de Google. Hablo, como no podía ser de otra manera, del artista estadounidense Robert Clark (nacido en Indiana en 1928), y que es más conocido como Robert Indiana.
Su trabajo está asociado al movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país.
La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE han sido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen, consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinada hacia la derecha, fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el MoMA. En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulación un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos han definido a Indiana como «diseñador», «oportunista» o «one hit wonder».
Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.
Vía: Wikipedia
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