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Liliana Porter en el museo Artium de Vitoria

¡Buenos días! Una de las cosas que he aprovechado para hacer en estos días de Semana Santa ha sido visitar el museo Artium de Vitoria.

Hacía tiempo que le tenía ganas y más ahora sabiendo que exponía la artista argentina Liliana Porter.

La exposición, titulada “Diálogos y desobediencias” se podrá visitar hasta el 27 de agosto, así que si tenéis ocasión os recomiendo que os acerquéis, porque merece mucho la pena.

Os enseño algunas de las fotos que hice a algunas de sus obras más pequeñas, algunas de mis favoritas, en las que la artista juega con las proporciones y el espacio para crear piezas fantásticas, llenas de crítica y humor.

“Su amplísimo espectro creativo —pintura, instalaciones, estampas, vídeo, dibujos, esculturas, teatro…— describe un mundo particular y asombroso, que en cada momento hace gala de un finísimo sentido del humor, una ironía inteligente y una sutileza muy personal.”

“De hecho, la artista plantea propuestas estimulantes para un mundo y sobre un mundo que necesita ser narrado de nuevo. Por eso Porter lo quiebra, lo desordena, lo asalta incluso, haciendo a cada paso gala de una extraordinaria agudeza.”

Imágenes © Begoña Lumbreras | El tornillo que te falta.

Los “paisajes asimétricos” de Fernando Suárez

FERNANDO SUÁREZ (1)

¡Buenas tardes! Hace unas semanas os enseñaba la expo de fotografía que tenemos actualmente en la galería y hoy quiero enseñaros esta otra de escultura, que también mantendremos expuesta hasta el próximo 9 de septiembre.

FERNANDO SUÁREZ (2)

Os reconozco que siempre he sentido debilidad por la escultura. Me fascina la capacidad que tienen los artistas de crear volúmenes sobrecogedores a partir de técnicas complejísimas y de materiales tan diversos. Muchas veces estas obras me causan una atracción difícil de explicar.

FERNANDO SUÁREZ (3)

El escultor del que os hablo hoy se llama Fernando Suárez (Oviedo, 1966) y es un gusto para nosotros volver a tenerle en la galería, nada más y nada menos que 13 años después de su última exposición con nosotros.  Ahora, bajo el título de “Paisajes asimétricos podemos contemplar su trabajo más reciente y comprobar su constante evolución.

FERNANDO SUÁREZ (4)

A través de un recorrido por una veintena de piezas en hierro, acero corten, bronce y resina, el artista muestra “su incansable capacidad creativa con una singular obsesión por el movimiento y la ingravidez.” Escribe Moisés Bazán de Huerta, en uno de los textos que acompaña el catálogo de la exposición. ¡Espero que os guste tanto como a mí! Y claro, también espero que si venís a Bilbao no dudéis en visitarnos. :) ¡Feliz día!

FERNANDO SUÁREZ (5)

Imágenes © Begoña Lumbreras / Juan Manuel Lumbreras. Galería de Arte.

Escultura de niebla

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (1)

¡Buenos días! Hoy os enseño una pequeña serie de fotografías que hice este pasado sábado desde el Guggenheim de Bilbao, enfocando hacia la Universidad de Deusto por un lado y hacia el Puente de la Salve por el otro.

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (6)

Visito varias veces al año este museo, por razones obvias, pero otoño es siempre mi estación preferida para verlo, ya que las vistas de los montes y árboles rojizos me atrapan como ninguna otra.

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (2)

Además, procuro estar pendiente del reloj, para salir a la terraza que da a la ría a las horas en punto, pues es entonces cuando se activa la Escultura de niebla de Fujiko Nakaya. ¡Un espectáculo digno de experimentar!

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (4)

No me canso de verla, de vivirla. Soy fácilmente impresionable y este momento siempre me parece que tiene algo de mágico. Pero la realidad es que el sistema que la genera es bastante bestia: Ni más ni menos que 1.000 toberas de agua-niebla activadas por un motor de bombeo de alta presión.

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (5)

“Fujiko Nakaya es la primera artista que trabaja con la niebla como medio escultórico. La artista colabora de manera sutil con el agua, la atmósfera, las corrientes de aire y el tiempo. Sus esculturas de niebla, de naturaleza efímera y que requieren ser experimentadas, muestran cierta afinidad con el arte conceptual y el Land Art, pero también representan un giro radical en la historia del arte y la tecnología.”

GUGGENHEIM - BEGOÑA LUMBRERAS (3)

Imágenes © Begoña Lumbreras

Louise Bourgeois

louise bourgeois-ap

“Es un gran privilegio ser capaz de trabajar con mis sentimientos (y también fuera de ellos) a través de la escultura.”

Louise Joséphine Bourgeois (1911 – 2010)

Imagen vía BIOGRAPHIES.

Shylight, esculturas de movimiento y luz

Shylight (1)

Recientemente, el Rijksmuseum de Ámsterdam ha hecho pública la adquisición de estas cinco esculturas lumínicas llamadas Shylights, que juntas forman una poética e hipnotizante instalación, firmada por el Studio Drift.

Shylight (3)

Los diseñadores Lonneke Gordijn y Ralph Nauta, fundadores de este estudio holandés, admiten estar fascinados por los movimientos de la naturaleza y reproducen la nictinastia (esa respuesta inteligente de la naturaleza a estímulos lumínicos que hace que las hojas y pétalos se muevan según la luz que reciben) en Shylight, creando vaporosas “esculturas de luz” que se retraen y se despliegan en una delicada coreografía ante los ojos del espectador.

Shylight (2)

Pero lo mejor es que veáis este espectacular efecto por vosotros mismos. ¡Cuidado porque engancha! ¡Feliz fin de semana! :)

Vía: 20 minutos

Our 16 Seasons

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Lux Stockholm es uno de los mejores restaurantes de Suecia. Su cocina presume de utilizar sólo ingredientes de temporada y de producción local.

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Esto lo llevan al extremo fijándose no sólo en cuándo los alimentos están en su punto óptimo dentro de cada una de las cuatro estaciones del año, sino que ellos diferencian hasta 16 mini-estaciones.

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Para explicar y hacer más visual este concepto entre su público han creado esta serie de fotografías escultóricas, de la mano de Christian Hammar, que contienen los ingredientes específicos de cada mini-temporada.

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“When we, at Lux, talk about our handpicked fresh produce, we mean it literally. In our neighbors’ gardens and in the edges of ditches, at local cultivators, fishermen, cheese makers and hunters: this is where our chefs find the ingredients that end up on the menu the same night. But to reach the absolute highest tasting experience, fresh produce shall, according to us, not only be locally produced, absolute fresh and of the utmost quality. It needs to be harvested or caught at the very moment it is at its best. Sometimes that period of time is weeks, sometimes just a few days. Our menu is therefore shaped entirely after natures strong will.”

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Images © Christian Hammar

Agua potable. Fuente provisional.

Este verano, durante la semana grande de Bilbao, paseando por la Gran Vía, me encontré con esta fuente provisional.

De la fuente improvisada en medio de la acera no salía agua, así que mi sorpresa fue doble. Pero qué queréis que os diga… para mi, esta “fuente” tenía un aire de escultura urbana que me encantó. No me preguntéis por qué, pero tuve que fotografiarla.

Imágenes © Begoña Lumbreras

 

Edward Larrabee Barnes

“Un edificio tiene que afianzarse en la idea de que es arquitectura, no escultura ni pintura, y que su referencia es la actividad que se desarrolla en el interior. La idea debería ser algo susceptible de plasmarse en una servilleta o en un sobre.”

Edward Larrabee Barnes. (1915-2004)

(Photography: Marcel Breuer Papers, Archives Of American Art. Above Barnes in New York City, 1984.)

Janet Echelman

Lo que hoy os traigo es bastante espectacular a la par que curioso. Se trata de la obra de la artista estadounidense Janet Echelman. Esta mujer hace esculturas urbanas monumentales, que ocupan parte del espacio aéreo interactuando con las fuerzas ambientales como el viento, el agua y la luz del sol.

La biografía de Echelman es apasionante. Ha vivido en Hong Kong, donde estudió caligrafía china, en Bali e Indonesia, donde colaboró ​​con artesanos que combinan los métodos tradicionales de textil con la pintura contemporánea, ha sido profesora de Harvard y en Fulbright en la India, etc.

Sus esculturas nacen de la inspiración que tuvo al ver las redes de los pescadores de una aldea agrupadas, esperando a ser utilizadas. Al verlas, Echelman comenzó a preguntarse si las redes podría dar un nuevo enfoque a la escultura: una manera de crear la forma volumétrica, sin materiales pesados, ni sólidos.

Al día de hoy, Echelman ha construído sus esculturas-red en las ciudades metropolitanas de todo el mundo. Ella ve el arte público como un deporte de equipo y colabora con una amplia gama de profesionales, entre ellos ingenieros aeronáuticos y mecánicos, arquitectos, diseñadores de iluminación, arquitectos paisajistas, y diversos fabricantes.

All you need is… Robert Indiana

Como ya estaréis cansados de oír, hoy es San Valentín, el día de los enamorados, según predican los centros comerciales. Y a pesar de que todo el mundo lo critica con las dos típicas frases de “es un invento para crear consumo” y “lo importante es demostrarse el amor durante todo el año” yo lo defiendo (un poquito nada más) ya que, generalmente, todos aquellos que lo dicen, tampoco se esfuerzan demasiado en hacer cosas bonitas y románticas por el otro “todos los días del año“. Al final, viene bien que, de vez en cuando, nos obliguen a mirar un poco por los demás y no tanto a nuestro ombligo.

Así que en honor a este día, y sin caer en el consumo estúpido que yo tampoco comparto, aquí va mi publicación, inspirada en el todopoderoso de Google. Hablo, como no podía ser de otra manera, del artista estadounidense Robert Clark (nacido en Indiana en 1928), y que es más conocido como Robert Indiana.

Su trabajo está asociado al movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país.

La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE han sido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen, consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinada hacia la derecha, fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el MoMA. En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulación un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos han definido a Indiana como «diseñador», «oportunista» o «one hit wonder».

Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.

Vía: Wikipedia