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Anish Kapoor en Bilbao

Anish Kapoor, nacido en Bombay en 1954, es uno de los escultores más reconocidos e influyentes de su generación, reconocido a nivel internacional. Actualmente el Guggenheim de Bilbao le dedica la primera exposición monográfica, a gran escala, dedicada en España a su obra. Una espectacular muestra de su trabajo que no está dejando indiferente a ningún visitante.

Graduado en el Hornsey College of Art y la Chelsea School of Art and Design, su primera exposición en solitario tuvo lugar en la Patrice Alexandra de París en 1980, y su reputación internacional quedó rápidamente establecida. Kapoor representó al Reino Unido en la 44 Bienal de Venecia de 1990 y fue galardonado con el Premio Duemila al mejor artista joven. Al año siguiente ganó el prestigioso Premio Turner.

 

Ha expuesto en todo el mundo, recientemente en la Royal Academy of Arts de Londres, en el Deutsche Guggenheim de Berlín, en el MAK de Viena y en el Institute of Contemporary Art de Boston.

Su exploración acerca de la forma y del espacio, y su empleo del color y de los materiales han ejercido una profunda influencia en el curso de la escultura contemporánea.

La muestra ha sido concebida e instalada en estrecha colaboración con el artista y ofrece una profunda reflexión acerca del método de trabajo y proceso creativo de Kapoor por medio de veinte obras de varias series que abarcan desde los años setenta hasta la actualidad.

A lo largo del recorrido del Museo, la muestra propone al visitante una sucesión de experiencias visuales y psicológicas, con la intención de atraerlo hacia el lenguaje escultural poético del artista.

Un solo de Nacho Carbonell

Por primera vez en España, podemos disfrutar de una exposición del diseñador español Nacho Carbonell. La muestra, en la famosa y antigua Sala Vinçon, es una oportunidad única para acercarse al trabajo del artista y comprender por qué sus trabajos forman parte de las colecciones más exclusivas del mundo.

 

La exposición ha sido producida por el comisario italiano Paolo Maistri, ex coordinador de la aclamada feria internacional DesignMiami y en ella se puede disfrutar de objetos de colección poco comunes como el sofá prototipo “Pump It Up” hecho de espuma y la aclamada pieza “Lover’s Chair”, (silla para amantes), una pieza hecha de periódicos reciclados y hierro.

Tanto la libertad como la espontaneidad son la base de su trabajo lo que le ha llevado a diseñar colecciones como “Evolution” y “Skin”, con lo que ha generado titulares durante la semana del diseño de Milán o en la feria 2009 DesignMiami / Basilea, donde ha sido nombrado Diseñador del Futuro.

Sus obras, han sido adquiridas por galerías y coleccionistas de todo el mundo, siendo nominadas al Diseño del Año por el “Design Museum” de Londres.

Pablo Picasso

«Hay pintores que convierten el sol en una mancha amarilla, y hay otros que con ayuda de su arte y su inteligencia convierten una mancha amarilla en el sol.»

Pablo Picasso (1881- 1973).

Hombres de hielo

Estas imágenes pertenecen a una performance realizada en Berlín. Una obra/denuncia en contra del calentamiento global. Creo que es espectacular.

 

With milk, find something everybody can use

El pabellón Mies van der Rohe de Barcelona luce a partir de ayer  jueves un aspecto diferente gracias a la intervención del artista chino, que ha sustituido el agua de sus piscinas por miles de litros de leche y café.

La instalación ‘With milk, find something everybody can use‘ pretende reflexionar sobre la quietud aparente del edificio y la importancia de los materiales. En total, los dos estanques del pabellón contienen 9.000 litros de leche y 5.000 litros de café, que estarán al aire libre durante un tiempo indefinido.

Según explicó en rueda de prensa, Weiwei escogió los dos alimentos por su «sencillez» y porque son elementos «tan claros como la arquitectura de piedra, acero y vidrio que define el espacio».

Además, confió en que a Mies van der Rohe le gustaría la «continuidad» de las paredes de mármol travertino con el blanco de la leche, y los dibujos que forma el café en el estanque pequeño, muy similares a los del mármol verde de los muros que lo rodean.

Artista polémico y abiertamente contrario al régimen dictatorial chino, WeiWei explicó que si aún no ha tenido una gran exposición individual en su país natal es porque no quiere pasar por el aro de la censura: «Puedo o no puedo tener problemas, dependiendo de lo que quiera mostrar. No quiero que mi trabajo sea censurado, no quiero aceptarlo», sentenció.

Fuga de hojas en otoño

Luzinterruptus es un grupo artístico anónimo, que llevan a cabo intervenciones urbanas en espacios públicos. Utilizan la luz como materia prima y la noche como lienzo. Esta vez y en celebración de que ya ha llegado el frío, os traigo esta intervención que este grupo realizó, hace unas semanas, en un recóndito parque del barrio madrileño de Moratalaz.

Para la instalación, Otoño casi efímero, iluminaron unas 200 hojas secas y las elevaron del suelo, hasta que lograron el efecto de que una ligera ráfaga de luz había hecho elevarse las hojas caídas por el otoño.

El tiempo de montaje fue de tres horas y la instalación permaneció en el parque durante cuatro horas más.

Las fotos son de Gustavo Sanabria.

Tim Burton en el MOMA

Desde ayer y hasta el 26 de abril del 2010, el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York se rinde al genio del polifacético director Tim Burton con una extensa retrospectiva, la mayor muestra que la entidad ha dedicado en sus 80 años de historia a un solo cineasta.

La muestra, organizada en colaboración con Burton, recorre la carrera de este artista desde sus trabajos más tempranos creados durante su infancia y juventud en California hasta las producciones cinematográficas que lo llevaron al éxito.

Bitelchus‘ (1988), ‘Batman‘ (1989), ‘Eduardo Manostijeras’ (1990), ‘Pesadilla antes de Navidad’ (1993), ‘Big Fish’ (2003), y ‘Sweeney Todd’ (2007) son sólo algunas de las catorce películas que el museo proyectará durante los cinco meses que durará la retrospectiva.

No hay ningún cineasta vivo que posea el éxito y la reputación de Tim Burton, que haya escondido tan bien al público su trabajo completo“, indicó el comisario de la exposición, Ron Magliozzi, en un comunicado de prensa. Así mismo, añadió que “ver tantos trabajos antes inaccesibles y en el contexto de un museo servirá para avivar una apreciación renovada y fresca de este admirado artista“.

Burton se inspiró en la cultura pop y reinventó la manera de hacer cine en Hollywood al convertir el género en una expresión de su visión personal, por lo que ganó una audiencia internacional e influyó a una generación de jóvenes artistas del mundo del cine, el vídeo y los gráficos“, indicaron los expertos.

Birds de Zhili Liu (Shanghai)

Aquí os dejo estas instalaciones lumínicas de la china Zhili Liu, de la serie Birds (Pájaros). Me parecen pura poesía.

El Hombre Invisible

Su nombre es Liu Bolin y su obra de arte una protesta contra el Gobierno de China.

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Practica el «camuflaje urbano«, de ahí su apodo del «Hombre Invisible«. No importa lo complicado que sea el entorno, él logra mimetizarse con él, pintándose a sí mismo o a otras personas para conseguir estas increibles imágenes finales, las cuales han logrado dar la vuelta al mundo.

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«Tardé unas diez horas en lograr cada desaparición, después de muchas otras horas más  analizando el lugar«.

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Empezó este trabajo como protesta porque las autoridades chinas cerraron su estudio en 2005. Dice que refleja «la sensación de no encajar en la sociedad moderna y es una forma de protestar contra la persecución de los artistas por parte del Gobierno«.

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Buchipluma sigue vivo

Hoy me he tropezado en una galería de Bilbao con un fantástico dibujo que ya había visto expuesto en la edición de ARCO´06. Su autor es el artista Eduardo Grúber (Santander, 1949), pintor y dibujante muy acreditado, representado en los mejores museos y colecciones de nuestro país.

Eduardo Grúber es un artista muy literario, es decir, encuentra los motivos de sus cuadros en la narrativa ajena y propia (ha editado tres novelas) o en sucesos reales o imaginarios. El dibujo a que me refiero se apoya en una historia real vivida por el artista hace muchos años,  en la década de los sesenta, y tiene como protagonista a un caballo de carreras llamado “Buchipluma”.

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Cuando Eduardo y sus amigos eran adolescentes, se colaban en el hipódromo de su ciudad para ver las carreras de caballos que se celebraban cada verano. Por aquella época, disputaba los turfs un caballo perdedor donde los hubiera, el citado “Buchipluma” que, como es natural, era el ídolo de la pandilla de Grúber, el caballo que siempre esperaban que ¡al fin! ganara una carrera. Pero nunca logró el éxito.

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Esa historia épica y compasiva la ha llevado Grúber siempre consigo en el subconsciente y hace tres años decidió contarla. Su relato está mágicamente plasmado en el extraordinario dibujo de 300 x 300 cm. que os comento. Realizado con grafito, representa todo el dolor y la ternura de un caballo noble y bueno que no nació para triunfar; un alegato, en el fondo, contra la frivolidad de nuestra sociedad que arrincona y olvida injustamente a quienes no tienen éxito.

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El cuadro es un homenaje a este caballo honesto que compitió con honor para que otros pudieran llevarse la gloria. El título me parece genial: “Buchipluma nunca ganó el derby de Kentucky”, lo que le otorga al equino una gran indulgencia, porque sólo unos pocos caballos han podido ganar ese famoso derby, cuyos nombres ha escrito Grúber en el fondo del dibujo. Plásticamente, este dibujo de un tamaño inusual (no para Grúber) es inmejorable por su finura, la luz que emana del fondo, las increíbles texturas de las diferentes partes de la obra y su elegante grafismo. La nota del pesebre (lavabo) con paja, además de conceder realismo a la obra, quiere indicarnos que “Buchipluma” sigue vivo.

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No me resisto a enviaros otro extraordinario dibujo, del mismo tamaño que el anterior, que figura en la misma exposición y me ha dejado fascinada. Grúber ha utilizado para esta obra pigmentos licuados, además de unas pequeñas placas de madera pegadas al dibujo de canto (collage), para que proyecten sombras sobre los fondos. De esta forma, el efecto de tridimensionalidad está conseguidísimo, reforzado por un trampantojo pictórico que simula un ángulo en la parte derecha del cuadro.

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Su título es rotundo: “El muro”. Naturalmente hay una historia detrás de esta potente pared de ladrillo, pero esta vez no voy a ser yo quien os traslade el relato de Grúber, sino que seréis cada uno de los que contempléis este dibujo quienes  tratéis de analizar lo que os sugiere, la historia que pueda estar emparedada detrás de ese paredón desnudo